“My art is not made of technique, but of feeling”, an interview with artist TOY BOY, in Luanda

Toy Boy, 46 years old, has followed the various stages of the country's post-independence and initiated his artistic practice after the civil war. His work is an expression of life in Luanda, intrinsically linked to the suffering and creativity one feels in the streets.


Author: Marta Lança 

Toy Boy, 46 years old, has followed the various stages of the country’s post-independence and initiated his artistic practice after the civil war. His work is an expression of life in Luanda, intrinsically linked to the suffering and creativity one feels in the streets. In tune with the city’s artistic movements and circles (such as Elinga Teatro and Fuckin’ Globo), Toy Boy tells us his story with the sincerity and sensitivity that describe him. Dribbling the difficulties in his path and the need for survival, he appropriates a certain pop art, making collages or ready-mades, installations, and using recycled materials such as rust, but, above all, he gives body and voice to the singularities of urban life.

Front Line, 2008
Indio Urbano, 2017

How was your artistic yearning born?

We always had creativity here. We used to make tin cars, we invented balms to polish shoes.


What was that like?

We’d burn tires, mix them with diesel or petrol, and polish the shoes of the guys who gave us change. It also comes from pop culture itself. In the eighties, there was a certain pop world, with rooms filled with posters of Bob Marley, Bob Dylan, and George Michael. I used to pick up cans to sell to friends who had wonderful collections of cans from foreign co-operators. Thus, the artistic drive came from my own experience and the pop art I felt around me. And from the people around me.


The friends with whom you connected, the artistic tendency of the city?

It was a great possibility to be side by side with very fine artists at the beginning of their careers. They were very good, creative, alternative, with a lot of energy, and freethinkers, something I wasn’t used to in my neighborhood.


How did you start to get along with them?

I joined Elinga through Kiluanji Kia Henda, who took me from a takeaway in Mutamba, where I was working, and dragged me to Elinga Teatro.


Already at the time of the Nacionalistas (artists’ collective)?



What did you do?

I was their producer, the “handyman”. I liked that world, I was super in love with it, because it was different. Elinga’s collective spirit led me, and many others, to a more prominent productivity.


How do you see the importance of Elinga at that time (from 2004 onwards)?

It was an art barn, a place where people could do what is now done naturally, like collages, pop art, the free expression from the Elinga movement. With those components, music, theatre, visual artists, contemporary dance.

Manguxi, 2012
Only for General, 2014

António Ole had his workshop there…

Yes, and the gatherings. We’d stay there talking, from 11 a.m. until midnight. We seemed crazy to society.


In those early days, did you collaborate with the theatre?

Yes, as a stage assistant. I had the opportunity to work at the 1st International Festival of Theatre and Arts, as a production assistant in two plays at that festival. A great artist, Pedro Campelo, came to work with scenography. To have participated in the production, to follow Pedro’s strength, to produce a festival with various companies, and to be there every day working hard was a great experience. 


What fascinated you about scenography?

Having to set things up and to create. The group would come in and say ‘We want this’, and we would have to develop a story and set it up for what the others wanted.


You were never an artist with an inflated ego?

No, because I came from that school, I don’t have that.


And you start presenting your own work.

I start painting my first tiny project with A3 sheets and crayons. I went to Nelo Teixeira’s studio and said, “those abandoned pencils and sheets over there, pass them on to me”. And I made “Esboços de Jazz” (Jazz Sketches) in 2007. Nelo Teixeira even told me to exhibit it, but I wanted to do it with some elegance, and I ended up not displaying it. It went into someone else’s hand and disappeared. At the time, I did not have a steady place to keep my things.


You lived for some time in Master Paulo Kapela’s studio…

Yes, I lived with Kapela. Before that, I slept at Elinga, in the dancers’ small storage room. Then came Movimento X, with Pedro Gil and Mano a Mano, a night underground, bar, and program that occupied the whole theatre, and I had to leave. 

I went to Lisbon for three weeks, but I returned early because I needed things here that belonged to me, and I had to come and collect them. When I came back to Luanda, I had nowhere to stay. My only corner was really Capela’s goodwill, he was also ill, and I stayed looking after him. Everything was untidy and disorganized. I stayed there for a month tidying things up, organizing, and buying him food, I prepared the food and we ate together, until Rasta Congo appeared and thought he would take care of Kapela. I was very sensitive and ended up leaving there and went to live at Mano Maninho’s house in Mártires do Kifangondo. 


In terms of artistic techniques, how was that time with Kapela?

It was always good to see Kapela working. He worked every single day.


Was he an affable or reserved person?

He had phases, many when he was not well, others when he received you well, then we also knew how to notice when he was not lucid, out of balance, and when he was available to people.


Was the Kapela universe truly special?

It was special. It was conducted with spirit, with soul, with a desire to make. It could be a heavy environment for those not used to seeing lit candles, and hanging crosses, and that mixture of José Eduardo dos Santos, Agostinho Neto, Thomas Sankara, Jesus Christ, Ubuntu, Bantu, the history of the world … it was a lot of information. He came from a religious process of the Poto-Poto school in Congo, which I believe was very good, but then he discarded Poto-Poto, Christianity, and racism, and tried to create a free thought process. Spirituality resided not only in his works but also in his way of being and seeing the world. There were no whites or blacks, yellows, those from the north or south, those who created divisions. So, in some way, he broke with this and went on bewitching people who came there, people like me and many others.


There were several focuses of artists… And the Luanda Triennial.

Yes, it was a boom.


And you start doing your own work…

In 2008 I collected all the materials from the Theatre Festival, wood, paints, I took everything and put these pieces together in the hall of the Elinga Teatro and told the people at the bar: “you can paint”. I wanted them to create relief on two pieces of wood. I transformed all of it and called it Recycle. They were large pieces of wood, and almost all of them were sold. At the time, I didn’t have a gallery. This was an important project, but at the same time, I didn’t give it much value.


And then where did you live?

In 2010, I went to Lisbon for a short time. I returned, and I was adrift because I had nowhere to live, there was no longer Kapela or Elinga to stay with. At the Natural History Museum, I meet Kilas, who works with sound. I told him I had nowhere to work. He said he had a house in Kalemba 2. I accepted immediately. We almost went to Kalemba 2 on foot. It was a house with no windows. I took Elísio to the Roque Santeiro market to get cloths, bags, and a tarp that was usually used to cover the coal trucks that were going to Roque. I asked Mano for a $200 sponsorship. I took the material and closed myself up in Kalemba 2, and within a month and a half, I held an exhibition at Elinga in 2010, Lava Almas. It was a special exhibition for me, but a bit closed off, not many people went to see it. Mano then tells me that he’s going to make me a proper re-inauguration.

Urban Movement, 2012
Lava Almas, A Documentary About Toy Boy

From then on, you were convinced that art was your path.

From then on, I gained security and the ability to express myself. We were all open-minded people; it was a time when people created a lot. I don’t make individual pieces; I create a project and work around that project. I guide myself through it to feel that I am doing something solid, with more identity.


Looking back from 2008 until now, how would you describe your work? 

I never lived outside of Angola, which led me to connect a lot to the reality of others, the people, the architecture, and the urban movements within Angola. So my work is very local, based on the Angolan people, the country, the nation, the concept of the nation, what one wants for the future, and what one plans for a common social good.


But it has universal identification…

Of course, it does, so much so that I did the Lava-Almas exhibition in Tel Aviv (2014-15). I went back there to do a workshop at a university, a conference, and I talked to people, and there are similar things. And there were works of art that resonated with them. The African Studio Gallery bought everything.


What motivated you the most?

The way José Eduardo dos Santos governed a country made me very unhappy, it usually led me to a sort of anger, pain, and a need to express myself, and I had no way of expressing myself. Maybe it would be different if I knew how to do theatre or politics.


Has that anger died down a little, or are you still outraged? 

After Zé Du’s death, I started seeing things in a great way. I am more of a kind of state adviser now. I tell them what paths they should follow to have a more cohesive, balanced, and normal society. For example, you can see this in the penultimate exhibition at Fuckin’ Globo and the last one at Epic Sana (the second edition of “Art Can be EPIC”, in July 2022).


You look for ideas, new paths, and solutions and not so much denunciation. How do you translate that in visual terms on your figures? 

My art is not made of technique, but of feeling. What I feel I have to do, that I want to do, is exactly what I am going to do. For example, I spent three years picking up rust to work with rust.


You like to use recycled materials like linoleum, cotton, and rust. Why rust? 

Rust brings its own charge and feeling, and in contemporary art, we can bring that feeling to people. One is not used to working with this material. In the exhibition Ferrugem (2015) I suggested the hypothesis that we were governed by Kings instead of politicians. Would we starve, thrown around as we are?


Tell us a little about the importance of the Fuckin’ Globe movement and how you interact with that dynamic.

I’ve participated in six editions of Fuckin’ Globo, an extremely engaging event. We had Elinga, which already was a very united and progressive movement. But Fuckin’ Globo brought a much more open dynamic. Not only in its aesthetic and liberal way of making art, but also the human relationship between artists. The artists were already more grown up and mature, this brought a brotherhood. At Fuckin’ Globo, you’re in another world, on another scale.

Princesa Urbana, 2017
Rostos, 2022

Due to the independent format? 

Nobody is in charge. You do what you want. You have a space, a budget and do what you want. Be free. A place where I am given the freedom to do what I want.


Each one with their own little corner but also integrated into a collective exhibition, with a strong relationship with the public that visits each room. 

Yes, all those particularities. There’s no way the public wouldn’t have been delighted with something like this. First for being something unique, second for truly being a project where the artists really exceeded themselves, went to the top, went up, and made works never seen before.


It just proves that freedom is the best incentive.

There is a small production of two people, it starts with few artists. Having a base and structure, it didn’t start from the top. Over time it starts bringing beauty and balance to the project. And there is also the marvel of mixing generations.


How do you see the difference between artistic generations? 

The younger generation of artists is less aggressive, softer, and more understanding towards each other, regardless of Facebook and Instagram – they like to appear and whatnot, but sometimes they work less and show off more. They’re very show offish. But there’s a kind of understanding in them, they’re not too keen on climbing on top of each other or on competing with each other. There’s a certain balance. This is in comparison with to our generation.

Sem Título, 2016
Sem Título, 2021

Are they more focused on what they want to do? 

They are much more focused, these are also different times. They have artist residencies, more opportunities to develop.


Did you have to do things more on your own?

We had to work harder.


How well do you know the deep Angola? 

Photography led me to go out to see Angola. To discover if what I felt was the reality of the country. For example, to Lubango, to Gabela, which is beautiful, going from commune to commune, to the backlands: observing the reality of the people, the absence of colonisation, while also trying to understand what was left of it.


And how do you see the difference in the rural world outside the big city? Do you admire the calm of the provinces?

In principle, those who have always lived in the big city want that life. But then it’s a tough life in terms of survival, in other words, the lack of support from the government is abysmal and incomprehensible. Children walk miles to school without eating a potato or having a cup of tea. Children walk kilometers without eating, without having breakfast, I have no idea what this is. I leave feeling sad. You can see the abandonment, that the government abandons people in the deepest Angola. There are beautiful things though, the teacher is at the front to accompany the pupils on foot to school, and it’s lovely to see those landscapes.


But do you sense another wisdom?

Obligatorily yes. But in the end, I feel more pity and pain, because of the poverty. It hits deep inside. If only there was support, some development within their way of being.


From the Angolan diversity, which culture attracts you most?

There is a level of originality and spirituality within the Mucubal people, an elegance about them, a look. I’ve been with mumuílas in the mountains and with other peoples. I traveled a lot by train, for example, from Lubango to Namibe, and at each stop, we saw a mixture of folks. But then, when I see a woman on the train with her breasts hanging out, carrying an ox leg on her lap, and being mistreated for having her legs apart… The guy on the train says, “close your legs”. And I feel bad, gee, but she’s fine, it’s her tradition, the sexual connotation is not in her head, it’s within a system that’s been already assimilated. In other words, there are very beautiful parts, basically what people are like, but deep down, something is disrupted, attacking the essence of people, their culture, their way of being, and their nature, always being violated.

The King, 2015
The War, 2015

How was the Luanda of your childhood?

I always lived in Luanda, I grew up in the Praia do Bispo neighborhood.


Were you a neighbor of Chicala? 

Chicala didn’t exist, it was the beach where I bathed. There were no houses there. The sea was right here in the city. I saw Chicala being born in Praia do Bispo, there were little houses, from nice villas to humble little homes, in a neighborhood made of alleys and lanes.


You have seen the changes in Luanda… 

I’ve seen the various stages of Luanda’s growth, I’ve witnessed Luanda descend, and I’ve seen Luanda die. I have a project, Urbanism (2012), which discusses exactly this. Of the great fusion between the ghetto and the city. In 1992 there was a high level of immigration of people from the provinces. Everything runs through here. The hills are born right there behind my house. From the Palácio, ghettos and favelas spring up everywhere. Everywhere. Even in the city, they expanded outwards. Everywhere. It wasn’t my city anymore, it was something different. I couldn’t walk around much anymore. If my mother’s friends, Jehovah’s witnesses, saw me in the favela, they would tell my mother. And I liked going to the favela to see how they lived, who they were, and try to understand. I walked through all the favelas, I roamed all of them, I searched all of them.


What attracts you to the life in the musseque? 

I still live in the favela, even though I live in a house with better conditions than the others. It’s a very dense favela, the Estalagem. What attracts me are the children growing up in that world, running over rocks, we are afraid that they will fall, but they don’t fall, and even when they do, they get up and continue to play. They don’t have toy cars, they don’t have dolls, they play mummy and daddy, something they pick up, a Cuca cap, a lid from an insecticide can to make sand funge, and they make there their game. Sometimes I would film them because it’s too beautiful. However sometimes I feel that conscience. After the Urbanism project, I thought to myself, “this is people’s lives”, What I’m doing is not exactly art. You see more what people’s lives are like, sometimes I feel like that. I don’t feel like producing Urbanism and working in that way, although I also call it photo installation because I use Photoshop, install, and create stories. 


And with sound. 

I took two megaphones and paid these ladies to shout the words onion and okra. To give a voice to that of the street vendors, to show the world what these people are going through.


Why the name Toy Boy? 

In Luanda, everyone has a street name, and I have had this name since I was a child. I was born in February 1976, at the time of the boom, post-independence, and everything was already very confusing. And my mother gave me the name Toy because my father is António Nbazela, in homage to him. It was thought that my father was dead. He had run away to Zambia, without giving any news, he was hiding. My father turned up five years later.

Sem Título, 2022
Soba, 2015

But why did he run away? 

He was a man with a very democratic capacity. He was a friend of Chipenda as he was a friend of Holden Roberto, as he was a friend of Savimbi, as he married a cousin of José Eduardo dos Santos. He had a very democratic mind. He was a teacher, and he taught politicians how to do politics. The problem was that if you were not familiarized with and connected to party X, you could no longer deal with party Z. This was very complicated for an already very democratic mind like my father’s. At the time, they were persecuting and even killing intellectuals.


Your father has been in hiding, reappears, and manages to reintegrate well? 

He shows up and goes to work at the United Nations and opens a school in a house in Mártires do Kifangondo. At the time, skills were needed, and he started teaching private lessons. I went to live with him, and while he was teaching, I would play with people’s children. I had freedom, my house was where everyone came to play. My father pretended not to see that there was a mess. We had a vegetable garden and a water tank that was our swimming pool.


And he took good care of the child? 

Very well. To this day, I don’t understand how this worked. The man had a lot of power. It was a very different thing.


So, back to your name. Toy is explained, why did you adopt Boy? 

Boy was born in Praia do Bispo. I was given the name Toy Boy as a child.


As an artist, has it always stayed that way? 

Although it’s a name that alludes to a “boy to play with”, I discovered over time that it wasn’t very relevant, people knew it wasn’t like that. Like it’s said Manguxi for Agostinho Neto, everyone here has a name.


We are giving the name its own personality… 


Featured photo: Rui Antunes.
More information about the artist at Jahmekart Gallery.

“A minha arte não é feita de técnica, mas de sentimento”, entrevista a Toy Boy

Autora: Marta Lança 

Com 46 anos, Toy Boy acompanhou as várias fases do país no pós-independência e iniciou atividade artística no pós-guerra civil. O seu trabalho é a expressão da vivência na cidade de Luanda, intrinsecamente ligado ao sofrimento e criatividade que se sente nas ruas. Sintonizado com os movimentos e núcleos artísticos da cidade (como o Elinga Teatro e o Fuckin’ Globo), Toy Boy conta-nos o seu percurso com a sinceridade e a sensibilidade que o caracterizam. Driblando as dificuldades no seu caminho e a exigência da sobrevivência, apropria-se de uma certa pop art, fazendo colagens ou ready-mades, instalações, potenciando materiais reciclados como a ferrugem, mas sobretudo dá corpo e voz às singularidades da vida urbana.

Front Line, 2008
Indio Urbano, 2017

Como nasce a sua apetência artística?

Nós sempre tivemos criatividade por aqui. Fazíamos carros de lata, inventávamos pomadas para engraxar sapatos.


Como era isso?

Queimávamos pneus, misturávamos com gasóleo ou petróleo, engraxávamos os sapatos aos cotas que nos davam moedas. Também vem da própria cultura pop. Nos anos oitenta, existia aqui um certo mundo pop, com quartos forrados de posters do Bob Marley, Bob Dylan, George Michael. Eu apanhava latas para vender a amigos que tinham coleções maravilhosas, muitas das latas vinham dos cooperantes estrangeiros. A pulsão artística surgiu assim, da minha própria vivência e da arte pop que sentia por aí. E pelas pessoas que me rodeiam.


Pelos amigos com quem se relacionava, e a onda artística da cidade?

Foi uma grande possibilidade estar ao lado de muitos artistas em início de carreira. Eram muito bons, criativos, alternativos, com muita energia, pessoas com pensamento livre, algo a que eu não estava habituado no bairro.


Como começou a dar-se com eles?

Entro para o Elinga, através do Kiluanji Kia Henda, que me tira de um take away onde eu trabalhava, na Mutamba, e me arrasta para o Elinga Teatro.


Já existiam os Nacionalistas (colectivo de artistas), cerca de 2004?



O que fazia?

Era o produtor deles, o “faz-tudo”. Gostava daquele mundo, estava super apaixonado por aquilo. Porque era diferente. O espírito de coletividade do Elinga levou-me, a mim e a muitos, a uma produtividade mais proeminente.


Como vê a importância do Elinga nessa época?

Era um celeiro da arte, um lugar onde as pessoas realmente conseguiam fazer aquilo que hoje se faz naturalmente, como colagens, arte pop, a expressão livre nasce do movimento do Elinga. Com as componentes, música, teatro, artes plásticas, dança contemporânea.

Manguxi, 2012
Only for General, 2014

O António Ole tinha lá o ateliê.

Sim, e as tertúlias… Ficávamos lá a conversar, das 11 horas da manhã até à meia-noite. Parecíamos malucos para a sociedade.


Colabora com o teatro?

Sim, como assistente de palco. Tive a oportunidade de trabalhar no 1º Festival Internacional de Teatro e Artes, como assistente de produção em duas peças desse festival. Veio um grande artista, o Pedro Campelo, trabalhar com cenografia. Ter participado na produção, acompanhar a força do Pedro, produzir um festival com várias companhias e estar ali todos os dias trabalhando no duro foi uma grande experiência.


O que o encantou  na cenografia?

Ter de montar as coisas e criar. O grupo chega e diz “queremos isto”, e temos de inventar uma história e montar de acordo com o que os outros querem.


Nunca foi muito artista de insuflar o “ego”?

Não, porque vim dessa escola, não tenho isto.


Como inicia o seu próprio trabalho?

Começo a pintar. O meu primeiro projeto era em folhas A3 e lápis de cera. Fui ao ateliê do Nelo Teixeira e disse “esses lápis e folhas aí abandonadas, passa-me lá.” E fiz o “Esboços de Jazz” em 2007. O Nelo Teixeira ainda me disse para expor, mas eu queria fazê-lo com alguma elegância e acabei por não expor. Foi para a mão de outra pessoa, e desapareceu. Na altura, também não tinha lugar estável para guardar as minhas coisas.


Viveu algum tempo no ateliê do Mestre Paulo Kapela…

Vivi com o Kapela sim. Antes disso, dormia no Elinga, num quartito de arrumação das bailarinas. Depois vem o Movimento X, um undergroung da noite, com bar e programação (gerido por Pedro Gil, Iracelma Ossana e Mano a Mano), ocupa o teatro todo, e tive de sair dali.

Vou a Lisboa, mas volto logo porque precisava de coisas cá, que me pertenciam. Quando regresso, não tinha onde ficar. O meu único canto foi realmente a boa vontade do Kapela, ele também andava doente e fiquei a cuidar dele. Estava tudo desarrumado e abandalhado, fiquei ali um mês a arrumar as coisas, a organizar, a comprar comida para ele, fazia comida, comíamos juntos, até que apareceu o Rasta Congo que achava que tomava conta do Kapela. Eu era muito sensível, acabei por sair de lá e fui viver em casa do meu Mano Maninho no Mártires do Kifangondo.


Como foi essa temporada com o Kapela?

Era sempre bom ver o Kapela a trabalhar, trabalhava todos os santos dias.


Era uma pessoa afável ou reservada?

Tinha fases, muitas em que não estava bem, outras em que te recebia bem. Depois já sabíamos entender quando ele realmente estava mal de luz, de equilíbrio, e quando estava disponível para as pessoas.


Era mesmo especial o universo do Kapela…

Aquilo era especial, era realmente conduzido com espírito, com alma, com desejo de se fazer. Podia ser um ambiente pesado para quem não estava habituado a ver velas acesas, cruzes penduradas e aquela mistura de José Eduardo dos Santos, Agostinho Neto, Thomas Sankara, Jesus Cristo, Ubuntu, banto, a história do mundo… era muita informação. Ele vinha de um processo religioso da escola Poto-Poto no Congo, acredito ser muito boa, mas depois desprende-se de tudo, do Poto-Poto, do cristianismo, do racismo, e tenta criar um pensamento livre. A espiritualidade residia não só nas suas obras mas na forma de estar e de ver o mundo. Não havia brancos nem pretos, amarelos, os do norte ou sul, os que criavam divisões. Portanto, de alguma forma rompeu com isto e foi enfeitiçando pessoas que entravam ali, como eu e muita gente.


Havia vários focos de artistas, e a Trienal de Luanda.

Sim, foi um boom.


E voltando ao seu trabalho…

Em 2008, recolho o material do Festival de Teatro, as madeiras, tintas, pego em tudo e monto essas peças no hall do Elinga Teatro, e digo ao pessoal do bar: “podem pintar”. Queria que eles criassem relevo, em duas peças de madeira. Transformo aquilo e chamo-lhe Recicle. Eram peças grandes em madeira, e foram quase todas vendidas. Na altura não tinha galeria. Este projeto foi importante, mas ao mesmo tempo não dei assim tanto valor.


E depois para onde vai morar?

Em 2010 vou de novo a Lisboa por pouco tempo, e fico à deriva no regresso, porque não tinha onde morar, já não havia o Kapela nem o Elinga disponíveis. Um dia encontro o Kilas, que trabalha com som, no Museu de História Natural. Disse-lhe que não tinha onde trabalhar e ele comentou que tinha uma casa no Kalemba 2. Aceitei logo. Quase que fomos ao Kalemba 2 a pé. Aquilo era uma casa sem janelas. Peguei no Elísio, fomos ao mercado Roque Santeiro arranjar panos, sacos, uma lona para tapar os camiões de carvão que iam para o mercado. Pedi um patrocínio de 200 dólares ao Mano. Peguei no material e fechei-me no Kalemba 2 e, no espaço de mês e meio, fiz uma exposição no Elinga, intitulada Lava Almas. Foi uma exposição especial para mim, mas um bocadinho fechada não foi muita gente ver.

Urban Movement, 2012
Lava Almas, A Documentary About Toy Boy

A partir daí convenceu-se de que a arte era o seu caminho.

A partir daí, ganhei segurança e capacidade para me expressar. Éramos todos para a frente, criava-se bastante. Não faço obras ímpares, crio um projeto e trabalho em torno desse projeto. Guio-me por ele para sentir que estou a fazer algo sólido, com mais identidade.


Num exercício retrospectivo, como descreveria o seu trabalho?

Nunca vivi fora de Angola, o que me levou a ligar muito à realidade das pessoas, do povo, da arquitetura, dos movimentos urbanos dentro do país. Portanto, o meu trabalho é muito local, com base no povo angolano, na nação, no conceito de nação, naquilo que se quer para o futuro, naquilo que se arquiteta para um bem social comum.


Mas tem identificação universal…

Lógico que tem, tanto que fiz a exposição Lava-Almas em Telavive (2014-15), com um workshop numa universidade, uma conferência. Conversei com pessoas e há coisas muito idênticas, e as obras realmente comunicavam com eles. A galeria African Studio Gallery comprou tudo.


O que mais o motivava para criar?

A forma de José Eduardo dos Santos governar um país punha-me muito descontente, levava-me normalmente a uma espécie de raiva, de dor, de necessidade de me expressar e não tinha como me expressar. Se soubesse fazer teatro ou política talvez fosse diferente.


Essa raiva esmoreceu ou continua indignado?

Depois da morte do Zé Du tomei uma ótima forma de ver as coisas. Sou mais uma espécie de conselheiro de Estado. Eu digo quais são os caminhos que eles devem seguir para que possamos ter uma sociedade mais coesa, mais equilibrada e mais normal. Acho que se percebe isso por exemplo na penúltima exposição no Fuckin’ Globo e na última no Epic Sana (segunda edição do “Art Can be EPIC”, em julho de 2022).


Procura ideias, caminhos novos e não tanto denúncia. Como é que traduz isso em termos plásticos?

A minha arte não é feita de técnica, é feita de sentimentos. Aquilo que eu sinto que tenho de fazer, que quero fazer é exatamente isto que eu vou fazer. Por exemplo, fiquei três anos a apanhar ferrugem para trabalhar com ferrugem.


Gosta de usar materiais reciclados como linóleo, algodão e ferrugem. Porque gosta tanto de ferrugem?

A ferrugem traz uma carga e sentimento próprios, e na arte contemporânea podemos levar esse sentimento para as pessoas. Não estamos habituados a trabalhar com esse material, restos metálicos enferrujados. Na exposição Ferrugem (2015), sugeri a hipótese que fossemos governados por Reis e não por políticos. Será que íamos passar fome, atirados por aí como estamos?


Conte um bocadinho como interage com a dinâmica do Fuckin’ Globo.

Participei em seis edições do Fuckin’ Globo, que é um evento extremamente envolvente. Nós tínhamos o Elinga que já era um movimento muito unido e progressista. Mas o Fuckin’ Globo vem trazer uma dinâmica muito mais para a frente. Não só na sua forma estética e liberal de fazer arte, mas também na própria relação humana entre artistas. Os artistas já estavam mais crescidos e amadurecidos, trouxe uma irmandade. No Fuckin’ Globo está-se noutro mundo, numa outra escala.

Princesa Urbana, 2017
Rostos, 2022

Pelo formato independente?

Há uma produção pequena de duas pessoas, começa com poucos artistas. Tem uma base e estrutura, não começou de cima. Ao longo do tempo vai trazendo beleza e equilíbrio ao projeto. Temos um espaço, um buget e fazemos o que quisermos. É um lugar onde me dão liberdade de fazer o que eu quero.


Mas integrado numa exposição coletiva, com uma forte relação com o público que visita cada quarto.

Sim, com essa particularidade. Não tem como o público não ter delirado com uma coisa destas. Primeiro por ser algo único, segundo por ser um projeto em que os artistas realmente excederam, foram ao top, fizeram obras nunca vistas.


Só prova que a liberdade é o melhor estímulo…

E ainda há a maravilha de misturar gerações.


Como vê a diferença entre gerações artísticas?

A geração de artistas mais novos é menos agressiva, é mais soft, mais compreensiva para com eles mesmos, independentemente de haver os Facebooks e Instagrams – gostam muito de aparecer e não sei quê, às vezes trabalham menos e aparecem mais, são muito show off. Mas há neles uma espécie de compreensão, não estão muito interessados em subir uns em cima dos outros, ou a competir uns com os outros. Há um certo equilíbrio. Isto em relação à nossa geração.

Sem Título, 2016
Sem Título, 2021

São mais focados naquilo que querem fazer?

Estão muito mais focados, também estão noutro tempo, têm residências artísticas, mais oportunidades para desenvolver.


Vocês tiveram que fazer as coisas mais sozinhos?

Tivemos que batalhar mais.


Conhece bem a Angola profunda?

Fazer fotografia levou-me a sair, para conhecer Angola. Para saber se aquilo que eu sentia aqui em Luanda era a realidade do país. Por exemplo fui ao Lubango, à Gabela, que é linda, gosto de ir de comuna em comuna, aos fundos, observar a realidade das pessoas, a ausência da colonização, mas também tentando perceber o que é que ficou disso.cccc


E como vê o mundo rural e as províncias, admira aquela calma?

Em princípio, quem sempre viveu na grande cidade, quer aquela vida. Mas depois é uma vida muito dura no grau de sobrevivência, ou seja, a ausência de apoios do Estado é abismal, incompreensível. As crianças andam quilómetros para ir à escola sem tomarem o pequeno-almoço, sem comer uma batata ou tomar um chá. Crianças a andar quilómetros sem comer, não faço ideia o que é isto. Há coisas bonitas, ver aquelas baixas plantadas, a professora está à frente a acompanhar os alunos a pé até à escola. Mas saio de lá triste. Nota-se um abandono, que as pessoas estão largadas pelo Estado nas Angolas profundas. 


Mas sente outra sabedoria?

Obrigatoriamente sim. Mas no fim de tudo, sinto mais pena e dor, pela miséria. Bate lá no fundo. Mas se houvesse apoio, algum desenvolvimento dentro da maneira deles estarem.


Dentro da diversidade angolana, que cultura considera mais interessante?

O nível de originalidade e de espiritualidade nos povos Mucubal, uma elegância neles, um olhar. Estive com mumuílas nas montanhas, e com outros povos. Andei muito de comboio, por exemplo do Lubango ao Namibe, a cada paragem vemos as misturas de povos. Mas depois, apanho no comboio uma mulher de seios de fora a levar para casa uma perna de boi ao colo, e a ser maltratada por estar com as pernas abertas… O tipo do comboio a dizer “fecha lá as pernas”. Sinto-me mal. Epá, mas ela está na boa é a tradição dela, o sentido sexual não está na sua cabeça. Ou seja, há partes muito lindas, basicamente as pessoas tal como elas são, mas no fundo algo acaba por romper, por agredir a essência das pessoas, a sua cultura, forma de estar, a sua natureza, sempre a ser violentados, um sistema que já é assimilado.

The King, 2015
The War, 2015

Como era a Luanda da sua infância?

Sempre vivi em Luanda, cresci no bairro da Praia do Bispo.


Era vizinho da Chicala?

A Chicala não existia, era a praia onde eu tomava banho. Não havia lá casas. O mar era logo aqui na cidade. Vi a Chicala a nascer. Na Praia do Bispo havia desde boas vivendas até casas mais humildes e pequenas, era um bairro feito de becos e ruelas.


Viu as mudanças de Luanda…

Vi as várias fases. Vi Luanda crescer, vi Luanda descer, vi Luanda morrer. Tenho um projeto, o Urbanismo (2012), que fala exatamente sobre a grande fusão entre o gueto e a cidade. Em 1992 há uma intensa imigração de pessoas do interior, passa tudo por aqui. Nascem os morros ali mesmo por trás da minha casa, perto do Palácio nascem guetos e favelas. Em todo o lado na cidade, e foram expandindo para fora. Para todo o lado. Já não era a minha cidade, era uma coisa diferente. Já não podia andar muito por aí, se as amigas da minha mãe, amigas de Jeová, me vissem na favela iam queixar à minha mãe. E eu gostava de ir à favela para ver como é que eles vivem, quem são, e tentar perceber. Andei por todas as favelas, vadiei todas, vasculhei todas.


O que é que o atrai na vida do musseque?

Ainda vivo na favela, independentemente de viver numa casa com melhores condições do que as outras. É uma favela muito densa, a Estalagem. O que me atrai são as crianças a crescer naquele mundo, correm em cima de pedras, temos medo que caiam, mas elas não caem e, mesmo quando caem, levantam-se e continuam a brincar. Não têm carrinhos, não têm bonecas, há brincadeira de casinha de papai e mamã, uma coisa que apanham, uma rolha de Cuca, uma tampa da lata de inseticida para fazer o funge da areia. Fazem ali uma brincadeira. Às vezes dava-me para filmar porque é lindo demais, só que sinto aquela coisa da consciência. Depois do projeto Urbanismo pensei “mas isto é a vida das pessoas” não é propriamente arte o que estou a fazer. Se bem que chamo foto-instalação porque pego no Photoshop, instalo, e crio histórias. Mas é mais a vida das pessoas, portanto não me apetece continuar a produzir o Urbanismo e a trabalhar dessa forma. 


E manipulava também com som.

Peguei em dois megafones e paguei às senhoras para gritarem “cebola, kiabo”. Queria dar a voz às vendedoras, mostrar ao mundo o que essas pessoas estão a passar.


Porquê o nome Toy Boy?

Em Luanda todo o mundo tem um nome de rua e eu tenho este desde criança. Nasci em fevereiro de 1976, na época do boom do pós-independência quando já estava tudo muito confuso. A minha mãe deu-me o nome Toy em homenagem ao meu pai que António Nbazela. Tinha fugido para a Zâmbia, sem dar notícia, estava escondido. Pensava-se que estava morto. Aparece cinco anos depois.

Sem Título, 2022
Soba, 2015

Mas porque fugiu? 

Era um homem com muito democrata, era amigo do Daniel Chipenda tal como era amigo do Holden Roberto ou como era amigo do Savimbi, ou como casou com uma prima do José Eduardo dos Santos. Tinha uma mente muito democrata. Era professor e ensinava os políticos como se faz política. Mas se não eras uma pessoa familiarizada e ligada ao partido X, já não podias lidar com o partido Z, então isso foi muito complicado para uma mente já muito democrata como a do meu pai. Na época perseguiam e até matavam intelectuais.


O seu pai esteve escondido, reaparece e consegue reintegrar-se bem?

Aparece e vai trabalhar nas Nações Unidas, abre uma escola numa casa no Mártires do Kifangondo. Na época era preciso aptidões e ele passou a dar aulas particulares. Fui viver com ele. Enquanto dava aulas eu ficava a brincar com os filhos das pessoas que lá iam. A minha casa era onde todos vinham brincar. O meu pai fingia que não via que tinha havido bagunça. Tínhamos uma horta, um tanque que era a nossa piscina. Tinha liberdade.


E tomava bem conta da criança?

Muito bem. Até hoje não percebo como é que isto funcionou. O homem tinha muito power. Foi uma coisa muito diferente.


Então, voltando ao seu nome. Toy está explicado, porque adoptou o Boy?

Como se diz Manguxi para Agostinho Neto, todo mundo aqui tem um nome. Dão-me o nome de Toy Boy quando era criança na Praia do Bispo. Apesar de ser um nome que alude a um “menino para brincar”, fui descobrindo com o tempo que não era muito relevante, as pessoas sabiam que não era isso. 


Vamos dando personalidade própria ao nome…


Foto de destaque: Rui Antunes. 
Mais informação sobre o artista pela Galeria Jahmekart. 

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