Author: Marta Lança, in Luanda
You are defined as a multilingual artist who refuses labels and trends or styles. Do you identify with that idea? Why?
I feel more comfortable not having definitions. I think these definitions have a lot to do with the academia, and I am not a scholar. At a certain point, I had to interrupt my studies and go into the workforce, but I already had this artistic calling since my childhood. I always felt that art was something inherent within me. In my professional life I learned to use tools, to practice and absorb more knowledge; with experimentation I became more and more the artist that I am. I have always felt this way. It’s the sum of everything I’ve absorbed, from the moment when I realized that art was my path.
Did you have an artistic sensibility from a young age?
I liked to play a lot. Fidgety and mischievous, I was always involved in games, in play… everything interested me. I always wanted to learn and master new games. At that time, our games and play were not seen as stimuli for the child to develop the aptitudes and skills that would be useful at a professional level in the future. But my childhood experiences dictate the rules of my own game to this day.
As if playing was something wrong…
Playing was seen as a distraction from one’s goals. In primary school, I was a good student, with good results, good grades, and a diligent student. It seemed I was on the right track, but from secondary school onwards, I was fed up. Every now and then, I would wonder, “when does it end?” I remember thinking, “but am I going to sit at a desk until I’m eighteen?” Sometimes my ass would hurt, and I would think, “if my ass hurts already, imagine when I’m eighteen or twenty! How many years do I have left?” I still did an intermediate degree in Fine Arts, but I was really fed up with having my ass stuck to a chair and all that routine, then at 20 I found out that I was going to become a father for the first time, I went looking for my first job, and the rest is history.
And when did you become interested in painting, and later collage, digital urban art, performance, installations, film, and photography?
I must have been six years old, or even younger, when I saw a portrait of my mother made by my father. My mother is very beautiful, always has been. Seeing that drawing caught my attention. I asked my father: “how did you do that? It looks like a photograph but, was it really you?” He was already good at it. He studied at an industrial school. At that time, people who had an aptitude for engineering, architecture, etc., went to an industrial school. My father explained: “by following techniques and methods, that’s easy”. It never left my mind, and from then on, the challenge was to practice until I could draw well. I understood the level I was at because I was a child – I still had to “work my fingers to the bone” until I could draw a proper portrait – but it was my trigger to keep on trying. So, I continued to improve between playing ball, games, and drawing. Whenever I could, I drew. When I started to have access to comic books, I drew Scrooge McDuck, and so on. Later, when I felt comfortable with drawing, I learned to paint, and then I carried that into life and became a visual artist. When I say I don’t want labels, I don’t want to condition myself.
Courtesy of the Artist
Courtesy of the Artist
But are you okay with the label of Artist?
Artist is a much more open, broader term. It allows you to create without strings attached. Now the vehicles, the means, the processes… for me, it is according to my creative ability to use them to materialize my ideas and realize my creations.
A professional artist, in the sense that you make a living from art, or do you still have a foot in other activities, like advertising?
I am a professional Artist. It is my full-time job. Before I established myself, I had to take on several jobs and projects. Fortunately for me, they were all in the field of visual communication. I worked in communication and advertising for fifteen years. I started working as an inker in a printing company for long enough to learn the science of colors, types, and printing. Then I moved from small agencies to the big advertising agencies in the Angolan market. Creative Directors, Photographers, Directors, Editors, Producers, and Post-producers, I learned everything I had to learn from the best that the communication market had to offer me. Everything that came into my life only added to the artist.
What was your childhood like?
I was born in Malange, spent part of my childhood in Benguela, and came to Luanda. I lived in Vila Alice and Mutamba near the National Theatre. I studied at São José, and next door, there was the Barracão, the first art school, according to the experts. It was created by Teresa Gama, an artist, sculptor, and poet, and there we, the kids from the neighborhood, had access to classes in our free time after school. I studied in the morning and spent the afternoon there in the Barracão. Then I learned to modulate clay, to work with colors, and other things I didn’t know. Later, in high school, I already felt more comfortable with some things, except photography. Photography led me to apply to art school, but while I was there, the subject never had a teacher. Only after I left did it start. Photography was what I wanted to learn the most at the time. I had never explored it and was eager to learn.
I found photography already in advertising. Creative directors like Cláudio Chocolate and António Páscoa were my first mentors in my journey through the world of visual communication. They introduced me to a world of productions that involved art directors, copy writers, photographers, directors, and other professionals with whom I worked long enough to learn what was necessary for my baggage. However, we had a major crisis in 2012.
Courtesy of the Artist
Courtesy of the Artist
Going back to the first decade of the century [when we met], there was a breeding ground for artists, from the Unap, the Elinga Teatro, and the Luanda Triennial. And I remember the Nacionalistas collective, you participated in the exhibition Angola Combatente (2005)?
It was not my first collective exhibition but a milestone in our common trajectory. With the Nacionalistas, we have previous remarkable events. Lino Damião and I already knew each other from Barracão, SD, and Marcos Kabenda from art school, Nelo Teixeira and Yonamine we already knew each other from other times, Mwambi Wassaki, the great Mestre Kapela, our base was at Unap. I came and went intermittently because of work, but I always found time and a way to get involved in common projects that the guys would create.
The name Nacionalistas was a tribute to the nationalists who fought for independence, right?
It was inspired by Pan-Africanism, which was also attractive because it was provocative. I wasn’t in the formation of the Nacionalistas, but I was included anyway, because I was already part of the same group of people who created it. When I joined the movement, the members already had some projects in their portfolio. Then I met the Elinga Teatro and the Orlando Sérgio group, Raúl Rosário, Kiluanji Kia Henda, Anabela Aia, Sunny Dilage, and all the Elinga group. It was a very important period for me. It was a school, a house full of art and culture. I started to have access to theatre, dance, music and cinema, and I gained more experience at Elinga Teatro. At that time, I carried out my first multidisciplinary project, “Art and Fashion”. At this event, Muambi Wassaki made his debut in fashion and haute couture. I continued to participate in many projects with those restless and creative people.
And the first Luanda Triennale was taking place, coordinated by Fernando Alvim.
I had the opportunity to share a studio with Ihosvanny at Baiarte (the gallery where you were). I started to design the project Congolândia. At the time, I wasn’t prepared. I didn’t know exactly what I wanted or how to bring it out. I knew the elements. I asked you to write a text, which you did very well, I went to Alvim “I want to do that project”. At the beginning, they bought the idea, I even started the first rehearsals, but unfortunately, they didn’t move forward. I never stopped dreaming about it and the opportunity arose a few years later, when some of these friends, now more experienced, got together in the legendary Rialto on a summer afternoon and created Fuckin’ Globo. Luis Pedro “LP”, João Ana, Orlando Sérgio and Kiluanji Kia Henda.
It’s a ten-year gap. But during those years, you were working as an independent artist…
I was already able to keep myself professionally stable. But then the crisis came in 2011, and I was unemployed. I didn’t feel like doing it all over again, going back to square one. I shared with my family that “I was more tempted to chase my dream of dedicating myself to art full-time”. The family supported my decision, and I started working, using all the tools I had. Then Fuckin’ Globo came along. In the first edition, I didn’t participate because I was painting Murals and doing graffiti in the streets, absorbing much of what is urban.
Fuckin’ Globo is a group show, but everyone has their own individuality and is free to do what they want. There doesn’t have to be a direct relationship with the other shows, but you do share resources and production, don’t you?
I embraced and got involved in this project precisely because of that. It was very important at that time; a collective experience where everyone brought their own project. It is an intriguing and stimulating challenge because you are inserted in a small space, and from that cubicle, you have to build a narrative for your work. You are the producer of the work. Although you have your privacy, it is essential to be open to other artists, with other works. The challenge is exactly this capacity of being able to leave everything out in the open and taking risks. It depends a lot on how you interact. You balance it out.
Courtesy of the Artist
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Why was Fuckin’ Globo so important in your journey?
It was the project that appeared at the time that interested me the most. There I was able to develop some bolder creations. Once the project was approved, I could develop just like that, which is a great advantage for me to be able to present creations that continue to be highly appreciated.
Each piece is fundamental…
I didn’t even enter the building during my first participation (in the second edition). Occupying a space inside the building is the general concept of the event. I stayed in the street, on the façade on the opposite side of the road, and made an enormous mural journal attached to the fence surrounding the block, I did this work in protest against the demolitions of the architectural heritage of downtown Luanda. There is an uncontrolled fever to tear down what is old and filled with history to replace it with skyscrapers of concrete, metal, and glass. Besides participating as an artist, I was also involved as a producer in the following five editions. Whenever the rest of the team would ask me, “so, what’s your project?” I would say “I don’t have one yet”. The staff… “But how come? You needed to have it ready by yesterday?” I would say “I don’t have time for that right now. I’m working on other projects”. I prefer to be like a blank sheet of paper than to come up with pre-conceived ideas. The challenge of starting with no ideas and letting them flow excites me, I’ll absorb the experimentations and, from there start to interpret what would come to me as ideas in a clear way and move forward with them. It was like that with Congolândia Universo em Desencanto (2020). I picked up the thread because I accidentally found that text and remembered what we had done. All that was left was to get people back together and try again.
It is one of your most consistent projects, there have been several sequels.
Yes, there have been several sequels. I’m still working on it because there is always going to be more to do.
And how was the impactful action of the Murals of Leba (in Serra da Leba, Lubango)?
I had already been doing urban art for a while, however the Murals of Leba is a project of a gigantic scale, because we managed to bring together artists from all over the country, from Cabinda to Cunene, from the “pros” to the “amateurs”, everyone who liked and did graffiti could participate. It was idealised by Vladimir Prata, who invited me to direct it. We gathered a collective of artists and went to Leba. The weather conditions and the wonderful and unforgiving ecosystem of the mountains was our baptism of fire to become what we are today in urban art. I believe that everyone who participated in that left with a much clearer vision of what it is to be an urban artist, my goals were clear and defined. In Sierra da Leba, I became the urban artist that I am. I go from one place to another, and another, I add things, learning by experimenting and applying the knowledge acquired in the streets and places where the ordinary folks I come across are my true masters. So, it gets complicated to put labels on it.
Courtesy of the Artist
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Urban art is a powerful force of expression worldwide… How do you connect to the streets?
Although I was sure that art was the path I wanted to follow (I always thought this and didn’t see another route for me) when I started, I felt I wasn’t getting the acceptance I wanted. But I wasn’t going to give in either, meaning I was constantly advised to replace my mediums with other materials that met the demand at the time. I’d have a better chance of being recognized. That’s what some people did, and it worked for them, well-catered for the art markets in the diaspora. But I was stubborn; for me, it was either my way, my intuition, my self-awakening or nothing. So, I kept going, slower, working more inwards than outwards in Angola, consistently and without great expectations, just continuously going and adding one step at a time. I thought: “no matter the time, my path is slower and more tortuous, but I will get there too”, calmly. Since I couldn’t promote my work in galleries as I would have liked, I decided to focus on the streets. I’ve always been passionate about graffiti. As a kid, I used to say, “one day I’m going to be a graffiti artist”. The streets gave me fame and notoriety. The Leba Murals introduced me and other Angolan graffiti artists to the world. I love doing things in the street, it is much less complicated to carry my projects outside of the format.
The street is an interesting space, of access and interaction with the city.
It’s exactly like that, I understood that and will never leave the street. The street gives me a lot, so much so that it opens doors. Some of my projects already have space in galleries, museums, art fairs, collections, and so on. I conquer many things through the street. I live for the street intensely; I have to live on the street, I have to go to the street, I have to really mix myself. I don’t lose focus, which is exactly that.
But do you do what you want, or are you asked, for example, to come and draw certain figures at the Embassies?
Both, I have produced a lot of commissioned work. Over time I have gained prestige. At some point, commissions go toward what I do instead of being someone else’s project. I am sometimes asked, “but what is your style?”, because there are always theses and theories about inspiration and concepts that then define us as an artist. When they ask me those questions, I associate myself with the work of a DJ who mixes layers and more layers of music but manages to create harmony and music so good that people vibrate with it. That’s exactly my job. It has nothing to do with inspiration. I know I must be consistent and constantly be on the streets. Early in the morning, I’m already there, engaging with what’s happening, with the colors, smells, noises, conversations, situations, and movement, whether in my niche of friends, my stratosphere, or other social circles. I absorb those things and then go into the studio to create. I just mix layers of what I absorb. Sometimes in painting, sometimes in video, and sometimes in photography. And often I do this in performances.
Courtesy of the Artist
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What issues worry you, and have been in the subconscious of your intervention? I can see that you have thought about the city, what are you trying to convey?
Social issues are what immediately comes to mind. I try to pay attention, to be more of an observer than an interventionist. So, I can detect social discrepancies in conditions where a minority has access to all the services and more, while the majority is full of problems at all levels. Education, health, employment, transport, housing, the list only gets longer. My work is often connected with political interventions, sometimes I have to answer for them, but usually, the political interpretations come from the observer and not from me, at the time of doing it, it is pure intuition and immersion in the creative process, what is revealed was already there before, I just translate it into my artistic language.
These inequalities are present in Entre Monstros e Homens (Between Monsters and Men), your latest exhibition.
I spent a year preparing the exhibition, which was based on observation. So, I observed a lot of day-to- day life in the city, the social problems of people who live in the periphery, but also of the more privileged who, despite being in better conditions, also face fundamental problems in their day-to-day lives.
Basically, it’s a regime that benefits no one…
Many people live in an illusion. I did a performance that portrayed an individual who lived in a gated community – it’s very fashionable to live in gated communities – in a large villa, but water would run down his living room’s wall every day.
Courtesy of the Artist
Where did the water come from?
The water came from the wall, which he shared with a building of a few floors that had in the basement an engine room that treated and pumped water. When it was pumped to serve the whole building, it entered his house through the wall, and there was no way of solving it. Once, he had a party, his cousin lent him a tank where he put the beers. After the party, he didn’t give the tank back to his cousin, instead he placed it against the wall, got some pumps, started sending water into the tank, purified it, filled bottles, sealed them, and sold them in the market. So, he turned the room into a factory of bottled water for sale.
What did you want to show in that performance?
We are talking about our resilience and the abnormal difficulties that are completely surreal and grotesque. The tendency in Luanda is to normalize everything, so this became normal. The absurd has become so normal that the normal has become abnormal. It’s very complicated that there’s no problem. I began to observe and concluded that it’s so macabre that it’s difficult to distinguish who’s human in this reality or who isn’t human anymore, who’s already become a monster but doesn’t even realize it. We keep kicking each other from the moment we get out of bed until we go back to sleep. Hence the title Entre Monstros e Homens (Between Monsters and Men).
There’s that painting of the zungueira too…
This work is one of the highlights of that exhibition. It’s about a zungueira woman (Angolan vendor who carries her products in a bowl on top of her head), I saw at a demonstration. It’s not often that you see women organized to demonstrate on a subject that concerns them. At the time, there was a wave of violence against women; many were killed for no reason. So, there was this demonstration. What caught my attention? A woman who, as far as I could tell, was working, walking from one end of the city to the other with a heavy load on her head and a baby on her back. She had kept her stock with a security guard so that she could take part in the demonstration, and she was holding a big placard that said something like “More respect!” and the baby was on her back. When I looked at that image… what strength! I thought, despite the million difficulties she faces every day and having that baby on her back to look after, she still had time to go to the demonstration to shout for her rights.
And she might have a frustrated and drunk husband at home who doesn’t work…
That’s right… this is a widespread picture in the mostly unemployed or low-income population.
The city and everyday situations are on your horizon. In urban art, the walls will scream their urgencies, but it is interesting to make this reflection on the upper middle classes. And to realize that, with such an unequal society, they also face difficulties. They can’t have a functional health system even if they have all the money. They must go to South Africa, London, or Portugal when sick. So many women and children die at the hospitals… It’s to be complicit in all of this.
A lot of people die here every day. I’ve been to many places and only identified problems that would not be problems in a normalized society. I have travelled a lot and I continue to travel around Angola. One time I went to do some work in a pediatric ward. The deaths that I saw were striking… it was 15 days of anguish, seeing children leave without it necessarily being their time to leave, but because our health system is collapsing.
What was the job?
It was to paint in rooms for hospitalized children, with elements and colors that would give off a good vibe. That time was heavy. Imagine the dramatic moments… There was no way of identifying real culprits, because even the culprits in the situations I witnessed were themselves, victims. They couldn’t even realize it sometimes, there are so many people, imagine, so many. Depending on the seasons, there are terrible times. The rainy season is the worst, it’s pandemonium for everyone. For the doctors and technical nurses, cleaning, and security staff. It’s a never-ending fight. Fighting to save lives.
You are an artist who is very involved in the real…
The projects take me to unexpected places, and they open my eyes, they make me feel the realities. I involve myself completely. My paths lead me to explore my surroundings, urban art gives me a lot, and I appreciate being able to see and live such profound experiences with and in communities.
What other community projects have surprised you?
What involves me the most is the fact that I am painting in the peripheries, and what that brings me. I can, for example, visit a place where crime is high, and the community lives insecure and distrustful. Things change in the community when I develop a project in that place. The colors, the vibrations, and the themes we choose to paint shift the environment, change the way people interact in that environment, and new things emerge. More and more, I develop and have access to projects that I didn’t expect. For example, today, I work with a lot of young people. When I started, I knew I would share knowledge with young beginners, but I am surprised by the young people who assist and work with me, and we find purpose in the work that we develop. Regardless of our shared projects, they themselves also focus on going to communities and positively impacting them with their art and work, the environments in their neighborhoods and communities. And when they do that, everything changes. I am floored and awestruck when I see the things they do on their own initiative.
Are you a master?
I am a master to them, but I learn a lot. It’s a sum of skills. My work isn’t just painting walls. After all, I influence them, some children only need to see me once, and it’s enough for their lives to change. The first time I realized this was many years ago in a village in Benguela that we visited with a multidisciplinary project. We got there, and there were only children, so we made a mural with the children. That made an impression on those kids. I started to understand that sometimes it’s important to just get there, and they see it. And when they see me with other kids that they consider their equals, then it starts. “Oldman, can I paint with you? Can I be part of it?” Those who insist end up getting on board. And after a year, he’s already painting in his neighborhood, with a group of friends to whom he gives a little training, and things begin to change. For me that’s everything.
Autora: Marta Lança
Definem-no como artista multilinguagem que recusa rótulos e tendências ou estilos. Identifica-se com essa ideia? Porquê?
Sinto-me mais confortável em não haver definições. Na minha opinião, isso das definições tem muito a ver com a academia e eu não sou formado na academia. A dada altura tive que interromper os estudos e ir para o mercado, mas já vinha com essa veia artística, desde a infância. Sempre senti que a arte era algo inerente em mim, com a vida profissional fui aprendendo a usar ferramentas, a praticar e absorver mais conhecimento, com a experimentação fui-me tornando cada vez mais o artista que sou. Sempre senti assim. É o somatório de tudo o que vou absorvendo, a partir do momento em que percebi que a arte era o meu caminho.
Tinha sensibilidade plástica desde novo?
Gostava muito de brincar. Irrequieto, traquino, estava sempre envolvido em jogos, em brincadeiras, tudo me interessava. Queria sempre aprender e dominar os novos jogos, brincadeiras. Naquela altura as nossas brincadeiras e jogos não eram encarados como estímulos para a criança desenvolver as aptidões e habilidades que seriam úteis no futuro a nível profissional. Mas as minhas experiências de infância ditam até hoje as regras do meu jogo.
Como se a brincadeira fosse algo errado…
A brincadeira era vista como algo que distraía dos objetivos. Na escola primária eu até era bom aluno, com bons resultados, boas notas, aluno aplicado. Parecia que estava no bom caminho mas, a partir do secundário, já me sentia farto, de quando em vez perguntava-me “quando é que isso acaba?” Lembro-me de pensar “mas vou sentar-me numa carteira até aos dezoito anos?”. Às vezes o rabo doía, “se o rabo já dói, imagina quanto for aos dezoito ou vinte! Quantos anos me faltam ainda?” Ainda fiz o médio de Artes Plásticas, mas estava mesmo farto de ter o rabo preso a uma carteira e de toda aquela rotina, então aos 20 anos soube que ia ser pai pela primeira vez, fui à procura do meu primeiro emprego e o resto é história.
E quando despertou para a pintura, e mais tarde colagem, arte urbana digital, performance, instalações, filmes, fotografia?
Devia ter seis anitos, ou até menos, quando vi um retrato da minha mãe feito pelo meu pai. A minha mãe é muito linda, sempre foi. Ter visto aquele desenho chamou-me a atenção. Fui perguntar ao meu pai: “mas como é que fizeste isso? Parece uma fotografia mas, afinal, foste tu?” Ele já tinha jeito, estudou numa escola industrial. Na altura ia para a escola industrial quem tivesse aptidões para engenharia, arquitetura, etc. O meu pai explicou: “seguindo técnicas e métodos, isso é fácil”. Nunca mais me saiu da cabeça, daí para a frente o desafio era tentar até conseguir desenhar bem, percebia o nível em que estava por ser criança – ainda faltava “comer muito arroz com feijão” até conseguir fazer um retrato como deve ser – mas foi o meu gatilho para continuar tentando. Então fui me desenvolvendo, entre jogar à bola, os jogos, as brincadeiras e os desenhos. Sempre que podia desenhava. Quando comecei a ter acesso às revistas de banda desenhada, desenhava o Patinhas, e por aí fora. Mais tarde, quando já me sentia confortável com o desenho aprendi a pintar, e depois transportei isso para a vida e acabei por me tornar artista visual. Quando digo que não quero rótulos, é porque não me quero condicionar.
Cortesia do Artista
Cortesia do Artista
Mas tudo bem com o rótulo de Artista?
Artista é um termo bem mais aberto, mais vasto, permite criar sem amarras. Agora os veículos, os meios, os processos… para mim é conforme a minha capacidade criativa de usá-los para materializar as minhas ideias e realizar as minhas criações.
Artista profissional, no sentido que vive da arte, ou continua com um pezinho nas outras atividades, como publicidade?
Sou Artista profissional, é o meu trabalho a tempo inteiro. Antes de me afirmar, tive de assumir vários empregos e projetos, felizmente para mim foram todos na área de imagem e comunicação. Trabalhei em comunicação e publicidade durante quinze anos. Comecei a trabalhar como arte finalista numa gráfica por tempo suficiente para aprender a ciência das cores, dos tipos e da impressão, depois transitei entre pequenas agências até às grandes agências publicitárias no mercado angolano, Diretores Criativos, Fotógrafos, Realizadores, Editores, Produtores, Pós- produtores, aprendi tudo o que tinha para aprender com os melhores que o mercado da comunicação me podia oferecer. Tudo o que entrou na minha vida só agregou mais ao artista.
Como foi a sua infância?
Nasci em Malange, passei parte da infância em Benguela e vim para Luanda. Vivi na Vila Alice e depois na Mutamba, perto do Teatro Nacional. Eu estudava no São José e ao lado de casa havia o Barracão, primeira escola de artes, segundo entendidos. Foi criada por Teresa Gama, artista escultora e poeta, e ali nós, os miúdos das redondezas, tínhamos acesso a aulas nos tempos livres depois da escola. Estudava de manhã e passava a tarde aí no Barracão. Então aprendi a modelar barro, a trabalhar com cores e outras coisas que não sabia. Mais tarde, no ensino médio já me sinto mais à vontade com algumas coisas, menos com a fotografia. Foi a fotografia que me fez candidatar à escola de artes, mas enquanto lá estive a cadeira nunca teve professor, só depois de eu sair é que começou, fotografia era o que eu mais queria aprender na altura, nunca tinha explorado e estava ansioso para aprender. Encontro a fotografia já na publicidade, diretores criativos como o Cláudio Chocolate e António Páscoa foram os meus primeiros mentores na minha viagem pelo mundo da imagem e comunicação, eles me introduzem a um mundo de produções que envolvia diretores de arte, copys, fotógrafos, realizadores, e outros profissionais com quem trabalhei tempo suficiente para aprender o necessário para a minha bagagem. Entretanto tivemos uma grande crise em 2012.
Cortesia do Artista
Cortesia do Artista
Voltando atrás, na primeira década do século [quando nos conhecemos], podemos dizer que havia um viveiro de artistas, desde a Unap, o Elinga Teatro, a Trienal de Luanda. E lembro do coletivo Nacionalistas, o Thó participou na exposição Angola Combatente (2005)?
Não foi a minha primeira exposição colectiva mas foi um marco na nossa trajetória comum, com os Nacionalistas temos eventos marcantes anteriores a este. Eu e o Lino Damião já nos conhecíamos desde o Barracão, o SD e o Marcos Kabenda da escola de artes, o Nelo Teixeira, o Yonanamine já nos conhecíamos de outros carnavais, o Mwambi Wassaki, o grande Mestre Kapela, a nossa base era na Unap. Eu ia e vinha de forma intermitente por causa do trabalho, mas arranjava sempre tempo e forma de me envolver em projetos comuns que a malta bolava.
O nome Nacionalistas era uma homenagem aos nacionalistas que lutaram pela independência, não é?
Inspirava-nos no pan-africanismo, que também atraía por ser provocador. Não estive na formação dos Nacionalistas mas fui incluído mesmo assim, porque já fazia parte do mesmo grupo de pessoas que o criou. O pessoal já tinha na carteira alguns projectos quando me juntei ao movimento. depois conheci o Elinga Teatro e a malta do Orlando Sérgio, o Raúl Rosário, o Kiluanji Kia Henda, a Anabela Aia, a Sunny Dilage e toda aquela malta do Elinga. Foi um período muito importante para mim, foi uma escola, uma casa repleta de arte e cultura. Passei a ter acesso ao teatro, à dança, à música e ao cinema, fui agregando cada vez mais experiência no Elinga Teatro. Naquela altura, realizei o meu primeiro projecto multidisciplinar, o “Arte e Moda”, neste evento o Muambi Wassaki estreou-se na moda e alta costura. Continuei a participar em muitos projectos com aquela gente inquieta e criativa.
E vivia-se a primeira Trienal de Luanda, coordenada por Fernando Alvim.
Tive a oportunidade de partilhar ateliê com o Ihosvanny no Baiarte (galeria onde tu estavas). Comecei a desenhar o projeto Congolândia. Na altura não estava bem formado, não sabia exatamente o que queria, como trazer para fora. Sabia os elementos. Pedi-te um texto, que fizeste muito bem, fui ter com o Alvim “quero fazer esse projeto”. No princípio, aderiram à ideia, ainda comecei os primeiros ensaios mas infelizmente não avançaram. Nunca deixei de sonhar com aquilo e acabou por surgir a oportunidade uns anos depois, quando alguns destes amigos, agora já com mais estrada, reuniram-se na Baixa, no lendário Rialto numa tarde de verão, e bolaram o Fuckin’ Globo. O Luis Pedro “LP”, o João Ana, o Orlando Sérgio e o Kiluanji Kia Henda.
São dez anos de intervalo. Mas durante esses anos foi trabalhando como artista independente…
Eu já conseguia manter-me minimamente estável em termos profissionais. Mas depois vem a crise de 2011 e fiquei desempregado. Não me apetecia repetir tudo de novo, voltar à estaca zero. Partilhei com a minha família “estava mais tentado a correr atrás do sonho de dedicar-me à arte a tempo inteiro”. A família apoiou-me e comecei a trabalhar, usando todas as ferramentas que tinha. Depois surge o Fuckin’ Globo. Na primeira edição não participei porque estava a pintar Murais e a fazer grafite nas ruas, a absorver muito do que é urbano.
O Fuckin’ Globo é uma exposição coletiva mas cada um tem a sua individualidade e é livre de fazer o que quiser. Não tem de haver uma relação muito direta com as outras apresentações mas vocês partilham recursos e produção, não é?
Abracei e envolvi-me nesse projeto exatamente por causa disso. Para mim, era muito importante naquela altura, uma experiência coletiva em que cada um traz o seu projeto individual. É um desafio intrigante e estimulante, porque estás inserido num pequeno espaço, a partir desse cubículo, tens que construir uma narrativa para a tua obra, és o produtor da obra. Apesar de teres a tua privacidade, convém estares aberto, com outros artistas, com outras obras. O desafio é exatamente essa capacidade de poder deixar tudo às claras e correr riscos. Depende muito da forma como se interage. Tu equilibras.
Cortesia do Artista
Cortesia do Artista
Porque foi o Fuckin’Globo tão importante no seu percurso?
Era o projeto que apareceu na altura que mais me interessou. Ali pude desenvolver algumas criações mais arrojadas. Uma vez aprovado o projecto, podia desenvolver tal e qual, e isso é uma grande vantagem para poder apresentar criações que continuam a ser muito apreciadas.
Cada peça é fundamental…
Na minha primeira participação (que foi na segunda edição) nem entrei no edifício. Ocupar um espaço dentro do edifício é o conceito geral do evento, fiquei na rua, na fachada do lado oposto da estrada e fiz um enorme jornal mural aplicado na vedação que cercava o quarteirão, fiz essa obra em protesto contra as demolições do património arquitectónico da baixa de Luanda, havia uma febre descontrolada em deitar abaixo o que é antigo e carregado de história, para substituir por arranha-céus de betão metal e vidro. Além de participar como artista, também me envolvi como produtor nas cinco edições seguintes. Sempre que o resto da equipa me perguntava “então qual é o teu projeto?” E eu dizia “ainda não tenho”. O pessoal… “Mas comé? Tens que ter isso para ontem?” eu “não tenho tempo pra isso agora, estou a trabalhar nos outros projetos”. Prefiro estar como uma folha branca do que vir com ideias já pré-concebidas. Excitava-me o desafio de começar sem ideias nenhumas, e deixar fluir, vou absorvendo as experimentações e a partir daí começo a interpretar o que me surgia como ideias de forma clara e avançava nelas, foi assim com a Congolândia Universo em Desencanto (2020). Apanhei o fio porque encontrei aquele texto por acidente e lembrei-me do que a gente já tinha feito naquela altura, só faltava voltar a reunir pessoal e tentar de novo.
É dos seus projetos mais consistentes, houve várias sequelas.
Sim houve varias sequelas, continuo a trabalhar nele porque vai dando sempre mais pano para mangas.
E como foi a impactante ação do Murais da Leba (na Serra da Leba, Lubango)?
Eu já fazia arte urbana há um tempo, só que os Murais da Leba é um projecto de escala gigantesca. Porque conseguimos agregar artistas de todo o território nacional de Cabinda ao Cunene, desde os “prós” aos “amadores”, toda a gente que gostava e fazia graffitti podia participar. Foi idealizado por Vladimir Prata, que me convidou para realizar. Juntámos um coletivo de artistas e fomos para a Leba. As condições climatéricas e todo o maravilhoso e implacável ecossistema da serra, foi o nosso batismo de fogo para nos tornarmos o que somos hoje, em termos de arte urbana. Acredito que todo o mundo que participou naquilo saiu de lá com uma visão bem mais nítida do que é ser um artista urbano, os meus objetivos ficaram claros e demarcados. Na Serra da Leba transformei-me no artista urbano que sou. Vou de um sítio para outro, e para o outro, vou agregando coisas, aprendendo experimentando e aplicando o conhecimento adquirido nas ruas, nos sitos e nos lugares onde as pessoas comuns com quem cruzo são os meus verdadeiros mestres. Então fica complicado meter rótulos aí.
Cortesia do Artista
Cortesia do Artista
A arte urbana é uma força de expressão mundialmente poderosa … Como é que o Thó Simões se liga às ruas?
Apesar de ter a certeza que arte era o caminho que eu queria trilhar (sempre pensei assim e não via outro percurso para mim), quando começo, senti que não estava a ter a aceitação que queria. Mas também não ia ceder, ou seja, era constantemente aconselhado a substituir a minha plástica por outra que satisfizesse a demanda na altura, teria mais chances de ser reconhecido. Foi o que algumas pessoas fizeram e resultou para elas, bem projetadas para os mercados de arte na diáspora. Só que eu era teimoso, para mim ou era do meu jeito, minha intuição, meu auto-despertar ou nada. Assim fui seguindo, mais lento, trabalhando mais para dentro do que para fora de Angola, consistente e sem grandes expectativas, só continuando e somando um passo de cada vez. Pensava: “não importa o tempo, meu caminho é mais lento e tortuoso mas vou chegar lá também”, com calma. Uma vez que não conseguia promover o meu trabalho em galerias como gostaria, decidi focar-me nas ruas. Sempre fui apaixonado pelo graffiti, em miúdo já dizia que “um dia vou ser grafiteiro”. As ruas deram-me fama e notoriedade. Os Murais da Leba apresentaram-me a mim e aos outros grafiteiros angolanos ao mundo. Eu adoro fazer coisas na rua, é muito menos complicado realizar os meus projectos fora de formato.
A rua é um espaço muito interessante, de acesso e de interação com cidade.
É mesmo assim, eu percebi isso e da rua não saio. As ruas dão-me muito, tanto que faz com que se abram portas, alguns projectos meus já têm espaço em galerias, museus, feiras de arte, colecções e por aí vai. Conquisto muitas coisas através da rua. Vivo intensamente a rua, tenho que viver a rua, tenho que ir para a rua, tenho de me misturar mesmo. Não perco o foco que é exatamente esse.
Mas faz o que quer ou pedem-lhe, por exemplo, para vir desenhar determinadas figuras nas
Embaixadas?
Ambos, produzi muito trabalho por encomenda. Com o tempo ganhei prestígio, a dada altura as encomendas vão de encontro ao que eu faço, em vez de ser o projeto do outro. Quando às vezes me perguntam, “mas qual é o teu estilo?”, porque há sempre teses e teorias sobre a inspiração e conceitos que depois nos definem como artista. Quando me fazem essas perguntas, associo-me ao trabalho de um DJ que mistura camadas e mais camadas de música, mas consegue criar uma harmonia e uma música tão boa que a gente vibra com ela. É exatamente o meu trabalho, não tem nada a ver com inspiração. Sei que eu tenho de ser consistente e estar constantemente nas ruas. De manhã cedo já estou lá, a envolver-me com o que acontece, com as cores, cheiros, ruídos, conversas, situações, movimento, seja no meu nicho de amigos, da minha estratosfera ou noutros meios sociais. Absorvo essas coisas e depois vou para o estúdio criar. Limito-me a misturar camadas do que absorvo. Às vezes em pintura, em vídeo, fotografia. E muitas vezes em performances.
Cortesia do Artista
Cortesia do Artista
Que temas o preocupam e têm estado no subconsciente da sua intervenção? Percebe-se que tem um pensamento sobre a cidade, o que está a tentar transmitir?
As questões sociais é o que me salta logo à vista. Procuro prestar atenção, ser mais observador do que interveniente. Então consigo detetar discrepâncias sociais em termos de condições, em que uma minoria tem todos os serviços e mais alguma coisa, já a maioria está cheia de problemas a todos os níveis. Educação, saúde, emprego, transporte, habitação, a lista só aumenta. O meu trabalho é muitas vezes conectado com intervenções políticas, às vezes tenho que responder por eles, mas normalmente as interpretações políticas partem do observador e não de mim, na hora de o fazer, é pura intuição e entrega no processo criativo, o que se revela já lá estava antes, eu limito-me a traduzir na minha linguagem artística.
Essas desigualdades estão presentes em Entre Monstros e homens, a sua última exposição.
Passei um ano a preparar a exposição que tinha como base a observação. Então, eu observava muito o dia-a-dia na cidade, os problemas sociais das pessoas que vivem na periferia, mas também dos mais privilegiados que, apesar de estarem em melhores condições, também enfrentam problemas básicos no seu dia-a-dia.
No fundo, é um regime que não beneficia ninguém…
Muitas pessoas vivem numa ilusão. Fiz uma performance que retratava um indivíduo que morava num condomínio – é muito moda viver em condomínios -, numa grande vivenda mas escorria-lhe água na parede da sala todos os dias.
Cortesia do Artista
A água vinha de onde?
A água vinha da parede, que dividia com um prédio de poucos andares que tinha na cave a casa das máquinas que tratavam e bombeavam água. Quando era bombeada para servir o prédio todo, entrava-lhe em casa pela parede e não havia forma de resolver aquilo, tentou tudo para evitar e nunca conseguiu. Uma vez deu uma festa, o primo emprestou-lhe um tanque onde meteu as cervejas, depois da festa já não entregou o tanque ao primo, encostou-o na parede, arranjou umas bombas, começou a mandar água para dentro do tanque, depois purificava-a, depois enchia garrafas, selava-as e ia vender na praça. Portanto, transformou a sala numa fábrica de engarrafar água para vender.
O que quis mostrar nessa performance?
Estamos a falar da nossa capacidade de resiliência e das dificuldades anormais completamente surreais e grotescas. A tendência em Luanda é normalizar tudo, então isso passou a ser normal. Ou seja, o absurdo tornou-se tão normal que o normal é que ficou anormal. É muito complicado não haver nenhum problema. Comecei a observar e cheguei à conclusão que é tão macabro que fica difícil distinguir quem é realmente humano nessa realidade ou quem já nem é humano, já virou um monstro mas nem se apercebe. Continuamos a dar patadas uns nos outros, a partir da hora em que saímos da cama até quando vamos dormir. Daí o título Entre monstros e homens.
Tem aquele quadro da zungueira também…
Este é uma das obras de destaque dessa exposição. É sobre uma mulher zungueira que vi numa manifestação. Não era frequente veres as mulheres organizadas para se manifestarem num assunto que diz respeito a elas. Na altura havia uma onda de violência contra as mulheres, muitas eram mortas por tudo e por nada. Então houve essa manifestação. O que é que me chamou a atenção? Uma zungueira que, pelo que percebi, estava a trabalhar, a palmilhar essa cidade de lés a lés cheia de carga na cabeça e um bebé nas costas. Tinha guardado a sua venda num segurança para poder participar na manifestação, e estava com um cartaz grande que dizia qualquer coisa como “Mais respeito!” e o bebé nas costas. Quando olhei para aquela imagem… que força! Pensei, para além das milhentas dificuldades que ela enfrenta todos os dias, e ter esse bebé nas costas para cuidar, ainda teve tempo para ir à manifestação gritar pelos seus direitos.
E é capaz de ter em casa um marido frustrado e bêbado que não trabalha…
Pois é… este é um quadro generalizado na população em maioria desempregada ou de renda baixa.
A cidade e as situações quotidianas estão no seu horizonte. Na arte urbana as paredes vão gritar as suas urgências, mas é interessante fazer essa reflexão sobre as classes médias altas. E perceber que, com uma sociedade tão desigual, também estão mal. Mesmo que tenham todo o dinheiro do mundo, não conseguem ter um sistema de saúde funcional, têm de ir para a África do Sul, Londres ou para Portugal quando estão doentes. Morrerem tantas crianças e mulheres nos hospitais… É ser cúmplice disso tudo.
Morre-se muito por aqui “todos os dias”. Andei em vários sítios e só identifiquei problemas que não seriam problemas numa sociedade normalizada. Já andei muito e continuo a andar por Angola, num certo tempo fui fazer um trabalho numa pediatria, as mortes que eu via era impressionante… foram quinze dias angustiantes a ver crianças a partirem sem que fosse necessariamente o seu tempo de partir, mas porque o nosso sistema de saúde está em colapso.
Qual era o trabalho?
Era pintar em quartos para crianças internadas, elementos e cores que dessem uma boa vibração. Aquela temporada foi pesadíssima. Imagina os dramas… Não tinha como poder identificar culpados reais, porque até os culpados de situações que eu vi eram, também eles próprios, vítimas. Que eles nem conseguiam perceber às vezes, é tanta gente, imagina, tanta. Dependendo das estações do ano tem épocas terríveis. Em época de chuvas é o fim da picada, é um pandemónio para todos. Para os médicos e enfermeiros técnicos, pessoal de limpeza e de segurança. Aquilo é lutar sem nunca parar. Lutar para salvar vidas.
É um artista muito implicado no real…
Os projetos levam-me a sítios inesperados e vão-me abrindo os olhos, vão-me fazendo sentir as realidades. Eu envolvo-me por inteiro. Meus caminhos me levam a explorar o que me rodeia, a arte urbana dá-me muito, o que agradeço poder ver e viver experiências tão profundas com e nas comunidades.
Que outros projetos de comunidade o surpreenderam?
O que mais me envolve é o facto de estar a pintar nas periferias, e o que isso me traz. Posso por exemplo visitar um lugar em que a criminalidade é alta e a comunidade vive insegura e desconfiada. A partir do momento em que desenvolvo um projeto nesse lugar, as coisas se alteram na comunidade, as cores, as vibrações, os temas que escolhemos pintar mudam o ambiente, mudam a forma como as pessoas interagem naquele ambiente, surgem coisas novas. Cada vez mais desenvolvo e também tenho acesso a projetos que não esperava. Por exemplo, hoje trabalho com muita juventude. Quando comecei, sabia que iria partilhar conhecimento com jovens iniciantes, mas surpreende-me que, tanto eu como os jovens que me assistem e trabalham comigo, acabamos por encontrar propósito no trabalho que fazemos. Independente dos nossos projetos comuns, eles próprios têm como foco entrar para as comunidades e impactarem de forma positiva com a sua arte e trabalho, os ambientes nos bairros e nas comunidades. E quando eles fazem isso, tudo muda. Quando vejo as coisas que eles fazem sozinhos por sua iniciativa, fico sem chão e boquiaberto.
É um mestre?
Sou um mestre para eles, mas aprendo muito. É uma soma de valências. No fim de contas o meu trabalho não é só estar a pintar muros, afinal eu influencio, há crianças que só precisam de me ver uma vez, é o suficiente para a vida delas mudar. Apercebi-me disto pela primeira vez há muitos anos, numa aldeia em Benguela que fomos visitar com um projecto multidisciplinar. Chegámos lá e eram só crianças, então fizemos um mural com as crianças. Aquilo marcou aqueles miúdos. Comecei a perceber que importa às vezes só chegar lá e eles verem. E quando me veem com outros miúdos que eles identificam como sendo iguais a eles, então aí mesmo é que a coisa fica mais brava. “Cota, posso pintar contigo? Posso fazer parte?” Aqueles que insistem, acabam por entrar no barco. E depois de um ano, ele já está a pintar no bairro dele, também com um grupo de amigos a quem dá uns treinozinhos, e a cena começa a mudar. Para mim isso é tudo.
